法 羅 文 創

       宛如學校教室課桌上放置著各種文具，不同的是，課桌與文具們會震動外，文具還會自行移動，並在白紙上留下痕跡，同時地板上還有著假髮們跑來跑去，兩位女性藝術家聯展，呈現的可能是對學院教育的反思。
　   6月12日至6月22日，在「荒原藝術」展出《擺渡／擺盪》溫馨&林欣美聯展，其中溫馨於12日下午，於展場進行行為藝術＜泅＞，並邀請現場觀眾參與；展出的部分則是包含科技藝術、裝置與紀錄等形式。
　　從形式上來看，這兩位藝術家的作品似乎無關，精彩的地方就在於，溫馨的行為藝術＜泅＞，是在透明頭盔中灌水，並喃喃自語，創作自述，這顯然不是指向現代主義式的人類處境，比較傾向年輕藝術家的處境，象徵身處透明的隔閡中，被灌注直到無法承受。

　　從整個展來看，或許林欣美的作品是象徵藝術教育的表面，而溫馨則是指向學生個人的感受，那些無法預期的震動與痕跡，當然可以被解釋成教育的過程，也可以被視為是譏諷繪畫中的＂自動性技法＂，不過對比到溫馨的＜泅＞所表達的溝通困境時，那些課桌的震動對機械們繪畫的影響，或許可以當作藝術家再現，學校體系對創作者的影響。
　　對一般觀眾來說，創作是神祕的，藝術家是依靠天分的，然而在當代藝術脈絡裡，專業藝術教育，早就是個很難跨越的門檻，創作的神秘性可能是建立在科層化上，而在這次的展覽中，兩位藝術家各自運用不同的象徵，反映的可能是一般教育都有的情境，同時也可能反映出學院藝術教育下，年輕藝術家的困境。
相關網站https://www.facebook.com/events/662935787187390/

    商業畫廊與前衛藝術常讓人有距離感，耿畫廊旗下的TKG+ 近來邀請「打開—當代藝術工作站」展出，對畫廊來說也許是擴展可能性，而對觀眾來說，則是多了一個觀看當代藝術的管道，也是另一個認識「打開－當代」的機會。
    5月21日至7月3日，TKG+舉辦《打開－當代2016選》，邀請「打開—當代藝術工作站」當前九位成員展出，特別的是，這是個沒有主題的展覽，甚至連 「打開－當代」這個團體也不是核心，而是回到每個藝術家自己的創作，這次以成員各自作品為主的展覽，更能讓觀眾直觀的理解「打開－當代」關心的面向。
    「打開-當代藝術工作站」為一個藝術家團體，2001年成立於板橋，多年來透過藝術家 工作室、讀書會、講堂、展覽策劃與座談會等運作方式，參與理解當代藝術相關的知識脈絡、藝術史、形式與機制等內容。　

    相對於近年來藝術領域流行的議題展，這次的展出以藝術家各自作品為主，現場看來並非彼此無關，很明顯的幾位藝術家都是以「文化物件」作為起點，相對於過 去傳統藝術中，再現出來的是＂象徵＂，杜象的現成物挪用，打破了藝術中象徵的意義，而文化物件更進一步，當代藝術裡的物件有時是回應文化中既有的文本，現 成物成為語彙被藝術家使用，再現的是語境而非象徵，也因此，這些藝術家所引用的現成物不再是工業產品，甚至是過去其他藝術家的作品，那些再現象徵的作品。
　　例如許家維的＜巴黎舊巷＞，以＂劇本＂的方式，再現這個尋訪前輩藝術家所繪製、再現地點的過程，在這裡前輩畫家的作品只是文本之一，整個語境可能在於 多少年來藝術家對於巴黎的想像；同樣的，許家禎的作品＜常鬱＞來看，他以畫家常玉的作品為文本，邀請調香師調製出相對應的味道，這樣讓以不可見的、環繞式 的味道形式來詮釋文本，或許本身就是種隱喻。
圖片提供:TKG+ 官網:http://www.tinakenggallery.com/plus/index.php…

　　　　對觀眾而言，在美術館欣賞作品的美是基本概念，當有一檔展覽開始質疑＂美錯了？＂似乎讓人摸不著頭緒，略有概念的觀眾，也許可以理解－當代藝術以概念為主，美已經不是被關心的主題，莫非該展是想翻轉當代藝術的概念？找回「美」在美術館的地位？ 　　 6月4日至8月14日在國美館數位方舟展出《美錯了？》，這是國美館數位藝術策展案，徵件獲選展，由策展人劉星佑策劃，參展藝術家張乃仁協同策展，邀請十位年輕藝術家共同展出，展出作品包括機械、錄像、裝置與攝影等形式。 　　走入展場會發現，其實這並不是一個找回＂美＂在美術館地位的展覽，而是試圖透過科技媒體，再現日常生活的過程，去討論＂美＂是如何在美術館這些場域中，被辨識、被建構出來，或許我們可以說，這是個在討論＂再現＂的展覽。
　

　　　　相對於傳統的繪畫媒材，科技藝術所使用的媒材，反而是我們日常生活中所熟悉的，當＂美＂不再只能用油畫布來呈現 的時候，這些我們熟悉的媒材，是否影響我們對＂美＂的認知呢？例如彭弈軒〈死亡之光〉將平凡無奇的捕蚊燈，聚積成為裝置作品，但當蚊子進入展場時，又會啟 動它本身的用途，以＂數大便是美＂的方式，將日常生活中的美感凸顯。 　　張湛的＜城市中美好的自然風景＞等系列作品，取名相當諷刺且直接，都是以都市中變電箱上的風景畫為主題，透過＂再現＂變電箱上的風景等手段，將這些景 物移到美術館後，反而變成＂藝術品＂，或是以動畫的方式，將這些粗製濫造的風景圖作為作品的背景，放入野生動物的圖像，種種以變電箱上風景為文本再現的手 段，可能更直接的回應展名《美錯了？》圖片提供:國美館 https://www.ntmofa.gov.tw/chinese/ShowInfomation1_1.aspx?SN=4810&n=10043

　　說到浮世繪，大家可能就會想到那浪花朵朵的海浪，沒錯，那就是知名的葛飾北齋所創作的〈富嶽三十六景ー神奈川沖浪裏〉，浮世繪對台灣人來說，是相當熟悉的圖像，浮世繪的影響，其實也包括了十九世紀的印象派，如果不是透過有系統的觀賞，大概會感到陌生。
　　國美館主辦的《日本浮世繪—東京富士美術館典藏精選展》於6月4日至7月31日展出，由東京富士美術館策劃，提供百件館藏浮世繪精品來台展出，此次共展出65件「江戶浮世繪」，其中48件風景畫包含葛飾北齋《富嶽三十六景》系列中的17景及歌川廣重的《東海道五十三驛站》中的31站，及歌川派的武士畫與歌川國芳獨樹一格的戲畫。
　　本次展出作品的類別，幾乎可視為浮世繪的入門，包括以遊女和藝伎為主角發展出「美人畫」、描繪歌舞伎演員的「演員畫」這兩大人物畫作為主軸發展；策展單位的確用心，試圖藉由展覽介紹浮世繪的基本概念，現場也有展出相關影片、版畫製作過程與用具，而出乎意料的小尺幅，更顯出製作上的精細。

　　浮世繪作為江戶時代民間藝術的代表，本次展出的作品以後期為主，多是成熟時期的作品，光是從藝術角度就頗值得觀賞，如果再從文化歷史紀錄的角度，可以看到江戶時期的城市生活與文化背景，例如《富嶽三十六景》與《東海道五十三驛站》系列，就展現了當時旅遊的興盛，宛如觀光畫冊的功能。
　　提到浮世繪對印象派的影響，最直接的可能是從梵谷對浮世繪的臨摹得到證明，但是另一方面，浮世繪也受到了歐洲的影響，葛飾北齋的〈富嶽三十六景ー神奈川沖浪裏〉在當時的日本開創先例，使用來自歐洲的普魯士藍化學顏料，這種經由貿易來到日本的顏料，與日本傳統的植物性靛藍色交互使用，開創新的色彩風格，此外，在這次展出的許多作品中，也可以看到西方透視的影響。

　或許有很多人不知道亞洲最大的火力發電廠就在台中，加上位於麥寮的六輕石化工業，中部地方的空氣品質其實是相當的糟糕，尤其去年中部地區空氣中的懸浮微粒Pm2.5達到紫爆級的危害標準，這些狀況引起許多人的關心與討論，藝術家則以創作的方式表達對環境的憂慮，同時也探討社會對此議題的討論方式，因此，當這類作品在台中的國美館展出時，獲得的關注相對令人有感。
　　5月21日至8月14日，國立台灣美術館的時光天井展出2016數位藝術創作案獲選案件《林泰州x李孟哲：失序的序列PM2.5.7.12.19.31.50》，現場共有十個螢幕，畫面中顯現的是遭受污染的自然環境、化工廠的巨大煙囪、煙霧與死亡的生物等，影片內容以蒙太奇手法編輯剪接，非線性敘事的同時，畫面也重疊佛教與基督教等經典內文。
       

        對觀眾來說，或許這是個較難以閱讀與理解的作品，十個螢幕裡出現的影像似乎有些重複卻又難以掌握規則，不過對藝術家來說，這樣失去傳統敘事的剪接模式，正是試圖想表達當代社會對石化工業的態度，一方面彷彿是有秩序的高科技，但另一面卻又是引人爭論的汙染，在這些社會議題的爭論裡，藝術家並不見得比一般觀眾有更多的理解，只是，透過這樣的＂失序＂形式，再現的正是人們的感受。
　　或許對藝術家來說，作品提供的並不是社會議題的答案，而是開啟我們對科技與污染的思考，當汙染是這樣失去秩序的圍繞著我們，當汙染是如此直觀的存在時，我們對科技的態度會不會宛如作品上出現的基督教與佛教的經典，「塵歸塵、土歸土」，以宗教信仰的方式相信，科技與環保各安其位？若果如此，科技對我們來說，其實跟宗教是差不多的。
https://www.ntmofa.gov.tw/chinese/ShowInfomation1_1.aspx…

                     對社會大眾來說，＂素描＂的概念大多依然是用鉛筆或炭筆，寫實再現對象物為主，即便在美術系，術科聯招的術科考試定義也是如此的現況下，社會大眾的概念依舊與百年前沒有什麼差異，關於素描的討論在現代美術中早已過時，許多藝術家也有著自己的＂素描＂練習方式，觀察這些創作前的預備動作，對於藝術家的創作生涯也是不可少的。

               5月14日至6月20日，由Z書房與107畫廊主辦的《素描排練》（Where to Where），邀請楊世芝、徐洵蔚、裘安•蒲梅爾、楊偉林、林冬吟、張光琪共六位藝術家展出，作品也分別在Z書房與107畫廊展出，作品形式包含繪畫與空間裝置等 。

                                素描作為創作前的預備工作，包括了各種媒材的嘗試或是思考的具體呈現，從展場中楊世芝的繪畫來看，雖然有完整裱框，但是可以在筆墨與拼貼間看到對話面空間的思考，在這裡筆墨不只是某種文化情調，而是與拼貼互文形成繪畫空間的邏輯，藝術家在此的實驗，讓觀眾看到，藝術家創作的過程不是只靠熱情與靈光一閃，而是有其議題與脈絡的。

      這正是觀看藝術家素描有趣的地方，包括裝置藝術也是如此，藝術家也是需要藉由物質裝置的練習來思考， 裘安的作品多以手指為主題，後接枝狀物與不同的媒材，可能同時指涉陽具崇拜或是手腕的物化等，透過這些不同語彙的置換，在議題上看得出牛刀小試的輕盈，也是素描的一種可能性。

    科技產品汰換速度越來越快，產生的高科技垃圾也越來越多，面對高科技與消費主義的結合，藝術家運用科技產品本身的特色創作，擺脫過去只將科技產品廢棄物視為一般廢棄物的作法，以科技廢棄物本身的特徵來凸顯議題。 　　3月19日至5月22日，國美館舉辦《再生運動－數位時代的科技反思》，由范馨予擔任策展人，邀請國內外十六組藝術家參與展出，展覽分為兩大主題，「回收與改造—循環能動的力量」與「混種與共生—跨域視野下的生態想像」 　　

    與本展同名的＜再生運動＞該作是以三百多個二手光碟機並置，以網路訊息控制吞吐動作，宛如動態雕塑獨立於空間中,展現吞吐美感，而利用光碟機吞吐的動作，回應觀眾放置光碟讀取資料的經驗，但是不可碰觸且沒有資訊來源的光碟機，最後只剩下藝術領域裡的被觀看的功能，回應的正是翻轉科技廢棄物的作用。

    更進一步來看，由比利時SEAD(太空生態藝術與設計)團隊所發起的〈Biomodd[TAI8]〉集體在地創作計畫，串聯臺灣多個自造者社群，百餘人以三周創作期,在國美館利用廢材,製造出電腦與魚菜共生系統的生態循環裝置，裝置中的電腦遊戲因觀眾啟動機器運轉，製造出來的廢熱氣加速了周遭植物與水族生態的成長，而綠藻被用來冷卻硬體設備,以維持機器的穩定運作，主辦單位與藝術家能以工作坊模式進行,散布這些概念的作法是相當有企圖心。 　　

    ＜稀有陶器＞是藝術家往源頭關注高科技產品生產所需的稀土開採問題，在開採造成的汙染處取得土壤，並製成與高科技產品同重的三個陶器，作品以紀錄片方式呈現，展現的是以藝術品的本質（原料）來連結議題，促使人關注生產與消費背後的環境議題。

      對一般上班族來說，或許日常生活充滿重複，但對〝獨具隻眼〞的藝術家來說，原本就從日常中逃逸的創作生活，正是日常生活的對照，因此許多藝術家會開始關心〝日常生活〞這件對許多人來說是無趣的事情，也就不意外了。 　　
     而正是一般日常過於繁瑣與習慣，所以當藝術家以獨特的眼光觀看時很容易發現，所謂的日常生活中，其實充滿了許多假設前提，而這些假設前提其實是依靠信念與 習慣來進行，李傑與何采柔《日常假設》展，運用許多現成物挪用，以翻轉、誇張等手法，凸顯出這些日常生活的前提假設，帶領觀眾重新思考日常，讓藝術不再只 是提供生活的逃逸出口，而是用新眼光來看待。 　　　
3月5日至5月15日，TKG+ Projects 舉辦《日常假設》，由許峰瑞擔任策展人，邀請何采柔與李傑展出，現場展出近廿件作品，包括李傑的複合媒材與錄像，何采柔的現成物挪用等，特別的是，在畫廊 外牆上，透過窗戶飄著的超長窗簾與一樓展示窗中旋轉著的高跟鞋都是作品。

　　展場中李傑的作品展現了日常生活的時間切片，對應於複合媒材與文字，讓日常生活的細節被重複播放，殘酷的顯現日 常生活中失去前提假設下的陌生、甚至是詩意；而何采柔的現成物挪用，則全都是來自藝術家日常生活中的用品，例如：她自己的枕頭，在燈泡下展現凹痕，彷彿是 時光的重量顯現、從藝術家洗衣機清出來的棉屑，以羊毛氈的方式做成一件衣服，直接顯現日常的累積，而背後對物的〝用／無用〞的思考則留給觀眾。 　　
      長達八米的窗簾是何采柔的作品＜漫TKG+＞，從展場逃生窗延伸到大樓外牆，或許寓意著藝術家提供觀眾逃離展覽的逃生路線，也是藝術家逃離藝術回到地面的 可能，從這個角度看，＜表格＞共四十九個抽屜立於隔間牆邊，看來是牆卻在誇張的數量中失去了既有的功能，有趣的是鎖頭其實只有三種，大量生產讓鎖的保密功 能成為想像，而我們的日常生活正是靠這些想像的前提假設來維持運作。

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