法 羅 文 創

《阿凡達》是2009年上映的一部美國科幻史詩式電影。電影設定於西元2154年，當時人類正在南門二恆星系生態茂盛的潘朵拉衛星上開採珍稀礦產Unobtainium，蘊藏量最大的地方正是納美人(Na'vi)的家園。
《阿凡達》電影許多素材參考自科學研究，並運用電影科技將虛擬的想像世界變得美麗真實，不僅深深影響其後數位藝術創作，據此衍生的專書及演出也非常多。
「阿凡達：探索潘朵拉世界特展」，全球首站2016/12/7~2017/3/14在台北，重現潘朵拉星球上，各種令人目不轉睛的場景，包括哈里路亞山脈、靈魂之樹等，展覽也塑造等身大小的靈鳥、高冠厚甲馬、蟒狼等，以超過10項的多感官體驗的互動展覽，完整呈獻潘朵拉星球奇幻場景與生物。包羅萬象的內容相當富有教育意義，從植物學、生物學、生物發光性到文化多樣性與共生，每個展區都能學習到相關主題。在觀展過程中，民眾可親身感受潘朵拉星球的科學成就與奇幻之美。
參考資料: https://www.ticket.com.tw/dm-8000002640.asp

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2017台北國際書展除舉辦第13屆的書籍設計｢金蝶獎｣恢復前三名獎金，並新設「書展大獎—編輯獎」，以獎勵編輯個人或編輯團隊。而書展現場不僅主辦方規畫大型臨時性裝置藝術，參展團隊也百花齊放各自爭艷，由環境到實體書，令人流連忘返。
第十三屆金蝶獎從403本參賽作品中，選出前三名與榮譽獎共計30件金蝶獎得獎作品，將前進德國萊比錫書展角逐「世界最美麗的書」 （International Competition Best Book Design from all over the World）設計大賽，希望能在鼓勵台灣卓越書籍設計師的同時，也推廣台灣優秀設計作品到國際。

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『文藝誌‧正逢時』區域文化導覽－公共藝術教育推廣活動
　　有人斯有文化，有文化斯有文化資產，文化是貼近土地、貼近生活的，所謂「文化資產」，包括「有形文化資產」（古蹟、歷史建築、聚落、遺址、文化景觀、古物、自然地景）及「無形文化資產」（傳統藝術、民俗及有關文物），乃是先民的生活軌跡及智慧結晶。

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繁花聖境－公共藝術教育推廣
公共藝術顧名思義，同時兼具有「藝術性」與「公共性」的特質。它具有屬於這個空間、這個地點、這個時代的獨特性，並且是藉由「藝術家」(藝術創作)、「公共空間」以及「民眾參與」三者，共同開展的「藝術」、「生活」與「文化」之「社會運動」。

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　　相較於引進國外成名藝術家的作品，國外年輕藝術家的來台展出是較為少見的，這些相對青澀的作品對我們台灣觀眾來說，應可作為一種觀察，在新自由主義經濟下的全球化環境中，年輕藝術家會遭遇與台灣年輕藝術家有何不同的處境，而他們又是如何在藝術裡面對的？
　　11月26日至12月24日，替代空間＂福利社＂舉辦「不安的海埔地」－國際交流展，由京都造型藝術大學教授樁昇擔任策展人，從支援年輕藝術家的組織「Artothèque（藝術圖書館）」中選出，由畢業於京都造型藝術大學及京都市立藝術大學的藝術家所組成的聯展，共有八位藝術家參與展出，展出形式包括行為藝術、錄像、攝影與繪畫等。
　　以海埔地比喻剛從學院畢業試圖進到職業藝術領域的年輕藝術家，策展人呈現的是受過專業訓練，但尚未被藝術領域中經濟力量感染的藝術家，所思考的面向，同時也預設了一種藝術未受市場干擾的本質，這種本質可能存在，也可能是種現代主義式的英雄想像，或許這些年輕日本藝術家的作品，恰可作為我們的某種對比。
　　從現場展出的作品可看出，學院派訓練對年輕藝術家的影響，主要幾個創作方向與台灣年輕藝術家沒有太大差距，例如社會關懷的紀錄片類型、藝術介入社會議題的行為藝術或是從媒材反思繪畫行為等，當然藉由當代藝術面對象徵的手法，來回應傳統藝術的路線也不意外，可以看到年輕藝術家從學院訓練中與藝術的對話後，逐漸找到方向。

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　　對許多觀眾而言，兩年一次的雙年展，近年越來越多，光是2016年同時就有四個雙年展，不過大部分的雙年展似乎只是藝術圈內的嘉年華，對一般觀眾來說頗有距離，今年首次舉辦的「大台北當代藝術雙年展」運用廢棄眷舍，讓藝術家與空間對話進入創作，而以台灣觀眾周遭的空間為起點閱讀作品，相對來說更為熟悉。
　　今年台藝大首度策劃執行的「大臺北藝術節」，是由台藝大發起進而串連大台北地區相關藝文單位的國際級大型展演活動，第一波活動於11月7日至2017年1月14日舉辦的「大臺北當代藝術雙年展」，邀請法國哲學暨漢學家朱利安（François Jullien）擔任客座策展人，邀集來自全球10地，共計30位國際知名藝術家參展。
　　以「去相合──藝術與暢活從何而來？」為主題，展覽地點包括校內的有章藝術博物館、九單藝術實踐空間與北側校區眷舍，相關活動除了法國新進影展、新南洋影展、美術學院大工作坊開放工作室、時空迴路：東南亞當代藝術交流展、虛實現象－水墨與書篆展及熱對流藝術節＿暖身禮讚等，還有多場相關講座與藝術家導覽、對談。
　　相對於其他雙年展在美術館的展出，本展在過去老舊眷舍的社區中展出，勾引觀眾對於類似空間的記憶，抱著這份記憶去閱讀藝術家與空間的互動，是很有趣的設計，對台藝大來說，將沉重的包袱轉變成特色，也相當正面，而來自世界各國的藝術家，如何面對這樣的台灣歷史，對觀眾來說別有趣味。
　　從展出作品到相關活動，本展內容相當豐富，非常可惜的是曝光率較為不足，對展覽來說，有足夠的閱讀深度與廣度，讓不同理解力的觀眾各自獲得滿足，是近年來相當難得的雙年展計畫。

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　　藝術家的工作室對觀眾來說像是戲劇演出的後台，向來缺乏機會接近，為了讓觀眾理解創作者的工作環境與作品的關係，許多藝術家會舉辦「開放工作室」(OPEN STUDIO)，這次「假定日常人造衛星/ Sync」雖然也是在創作空間展出，展出的卻是創作者的＂日常＂場域，這裡呈現的可能不是藝術與日常生活的模糊界線，而是在美術館與畫廊之外，藝術原來的樣子。
　　12月3日至12月18日，由「Re:Re:語彙」展延伸出來的平行展「假定日常人造衛星/ Sync」在山珍海味工作室展出，由太認真(郭柏俞÷佘文瑛)擔任計畫主持人，參展藝術家有太認真、吳芊逸、林羿綺、林祖軒、洪子惟、高登、黃耀陞、賴舒勤、騆瑜，展出形式包括版畫、陶藝、行為藝術與裝置藝術等共廿餘件。
　　這個展可說是藝術家們的宣告－"我們就在社區裡"，就在觀眾的日常生活中，你不需要跑去美術館才能親近藝術，藝術可能跟你一樣是在透天公寓裡延伸、創作與生活著，這種＂我們在此＂的宣告，可以從賴舒勤在廚房的行為藝術與空間裝置中看出，她的作品與日常生活中的廚房及房間幾乎可以說是完全重疊，觀眾在非展演期間只能透過窗戶上的透鏡觀看，但是住在此的藝術家們依然日常的使用廚房，這似乎在告訴觀眾－"展演時你在現場，你就是作品的一部分"，而當你不是作品的一部分時，你只能透過被扭曲的觀看方式來想像藝術家日常就是作品。
　　作品作為創作者日常中存在的一部分，並不特別需要被關照，只是做為邀請觀眾進入的門票，而工作室作為巷弄中台藝大所輻射出來的創作空間，對當地來說並不特別突兀，這些創作者就生活在此，這些作品在前往美術館等空間展出前後，恆常存在於此，藝術家並非要打破藝術與觀眾的界線，反而比較像是宣告，宣告我們就在這裡，我們就是這裡的一部分。圖片提供：「太認真」(郭柏俞÷佘文瑛)

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　　對觀眾來說，展覽就是觀看作品完成後的聚集地，但是對藝術家來說，創作是個人的，而聯展這種常見的形式又該如何面對？除了以策展人的回應聚集外，是否可能透過一同創作來回應聯展的本質，同時透過聯展呈現共同創作的過程？
　　12月3日至12月24日，由新樂園藝術空間與荒原藝術舉辦「Re:Re:語彙」，由＂太認真＂（郭柏俞、佘文瑛）、吳芊逸、李奎壁、高登、曾美福、黃耀陞、騆瑜，共七組藝術家參與展出，同時也在＂山珍海味＂工作室舉辦「平行展」，除了展覽以外，也舉辦「溫故知新－青年返鄉 社造經驗談」講座。

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　　從畫面上來看，圖文相結合的方式宛如插畫，但是細看李俊賢的作品卻不能用插畫來分類，延續多年來圖文互相指涉的作法，李俊賢今年的個展更加精練的將文字與圖像結合在一起，而非插畫般圖像與文字彼此說明的關係。
　　10月29日至12月3日，非常廟藝文空間舉辦李俊賢個展「海島/港都好男兒的海洋追尋」，現場展出四十餘張平面作品，包括壓克力繪畫、相紙輸出與複合媒材等．畫面主體多與海邊景物相關，畫面除了景物外，也有多件結合裝飾性強烈的文字。
　　提到圖像與文字的關係，除了插畫以外，常讓人想起超現實主義，文字與圖像的關係是彼此互相指涉，而非藉由對方完成敘事，李俊賢的作品中如＜消高應＞，圖中的文字由圖像的海浪所構成，再加上作品名稱以中文寫出台語＂瘋狗浪＂的讀音，圖像、文字與作品名稱三者彼此互相指涉，一再的重複。
　　其實不管是媽祖、椰子樹或是大船入港，這些重複出現的南國海港景象都是李俊賢這個港都好男兒的私人定義，這些作品甚至可以說是種私人的百科全書，一種徒勞的自我建構，觀眾似乎看到各種關於島嶼的相關觀察，但是卻無法理解背後的故事到底是什麼？
　　相對於當代藝術中承認象徵無可避免，進而藉此操弄、期待觀眾以"體驗"代替理解，李俊賢的繪畫則是相當依靠觀眾"在語言與文化上的理解"來進行理解，畫面的符碼與標題彼此重複的自我表達，彷彿歷經了理解重建象徵的徒勞，但是依然堅持一再重複地觀看與再現，而這樣的重複，試圖建立的是在文化象徵中的爭奪，爭奪全新且私人的詮釋。

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　　當藝術家與流行歌手都以「生活樣貌」為主軸在舉辦展覽時，兩者有何區分？當展覽現場都是生活雜物時，觀眾要如何面對這些與自己家中雜物其實並無不同的展覽？或許我們可以跳脫過去，藝術總是要象徵些甚麼的觀點，而是觀察這些生活雜物被挪用到展覽中時，在生活與象徵的縫隙中，是不是翻轉了什麼，帶來了些許不同的空間？
　　10月22日至11月19日，福利社(FreeS Art Space)展出「賈茜茹個展－大勇街25巷。末章 」，共展出十餘件作品，包括互動性的＜物品命名計畫＞、以身體或痕跡為主的＜髮球＞、＜口紅＞或是以生活用品現成物挪用的＜衣架＞等。
　　一樣是生活用品的展出，然而藝術家與偶像歌手不一樣的地方，並不是讓這些物件產生新的美感，畢竟當這些物件只是美感構成時，可能就脫離了物件本身的生活感，例如＜日曆＞是將一張張日曆中的數字割除，那比隨手撕去日期更花時間，但也只有一些時間，無法取代日常生活中任一日的重量，藝術家沒有要在這裡將作品取代日常物品的象徵功能，她只是在這些功能中挖掘更多，人人可能都有的幽微感受，但卻又剛好是這些幽微，勾引出人心裡那些一閃而過的日常。
　　另一方面，＜衣架＞或許可以從我們生活經驗中想起，衣架常常會糾結在一起，讓人難以使用，當藝術家將這些衣架搭建出某種結構時，重點可能不是美感，而是某種＂療癒＂，這讓傳統現成物挪用手法，更進一步的向前，除了撇除象徵性以外，更在生活經驗中完成了某種小確幸，某種日常的偏執，在藝術裡得以完成。

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　　女性攝影師在早期是相對少數，一方面攝影是需要經濟能力支持，另一方面則是社會環境也不見得有空間，王信是台灣早期女性攝影師，受過學院訓練並持續攝影創作與教學的少數，透過本次展覽，可看到相當完整的回顧，了解創作者的思考脈絡。
　　10月29日至2017年3月5日，北美館舉辦「另一種目線－王信攝影展」，展出自1970年代以來，各個階段具代表性的14個主題與系列作品，為能理解創作脈絡，展覽也包括作品導言、文獻紀錄、作品多媒體及紀錄影片，有部分作品是從未展出過的舊作。
　　王信一生堅持"攝影的本質在記錄"，從早期廣為人知的原住民紀錄攝影，如＜蘭嶼．再見＞等系列，可以看到她對堅持的呈現，本次展覽系列作品，也配合北美館館藏與藝術家自藏底片掃描展出，尤其在事隔多年以後，照片所記錄的風景人物都已不復存在，而王信對攝影的概念，對"系列報導攝影"的堅持，與當時的沙龍美學或是紀實攝影，也有著差距，看著這些作品也會對當時王信因故，無法持續拍攝台灣原住民計畫，而感到可惜。
　　有趣的是，在"系列報導攝影"以外的其他系列作品，如＜自悼＞、＜逃亡者之眼＞或＜景與物＞，這些照片利用高反差、粗顆粒等風格化型式，展現王信自稱很個人性的「心境照片」，但對觀者而言，這些心境照片傾向現代主義式的風格，其實在其他的報導攝影上也有相當的影響，王信自述關於＜逃亡者之眼＞的創作起點，是那些關於白色恐怖的記憶，這或許可以解釋王信選擇報導攝影的原因，除了曾經有過的教職接觸外，或者這是種當時僅存的抵抗底線，以現代主義式的強烈風格，象徵被攝者的處境，而非直擊式的暴露問題之所在。

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        相對於北市府舉辦的「白晝之夜」，當代館近日舉辦「街大歡喜」以多年深耕社區的厚度，讓藝術不在只是裝飾街邊的牆面，由藝術家與社區居民有更多的互動，深入觀察與表現，讓街區與藝術的關係更加耐讀，更加吸引人。
　　10月1日至11月13日，台北市立當代藝術館舉辦「2016街大歡囍─當代 X 社區藝術節 」，邀請黃立慧等十組藝術家，展出地點包括美術館前廣場、周邊店家、公園與捷運地下街，展出形式相當多元，包括行為藝術、互動體驗、插畫、攝影、出版與動力裝置等等，不管是創作過程或是觀看，都強調民眾參與。
　　相對於北美館或是國美館來說，當代藝術館的空間的確是比較小，可能也較沒有知名度，但是當代館利用自己特別的地理位置，身在台北熱鬧的老社區當中，逐步發展出不同的社群概念，包括與當地里長的合作，皆可看到六年來持續舉辦社區藝術節的累積，這樣的累積呈現在藝術家透過當代館與在地的連結，與當地居民有更多互動。
　　觀眾可以先走進當代館拿一份取材自當地社區三位主婦故事的＜光能報－主婦的午後時光＞感受當地氛圍，利用出版物探索當地文史也是「街大歡囍」的慣例，或者在當代館門口的＜黑白棋＞透過遊戲規則，顯現出在地居民與遊客不同的角度，在遊戲最後可以看到雙方的圈地遊戲勝負與權力的流動；或如＜可以睡覺＞邀請觀眾以身體，去體驗社區的空間性格，是更直觀的體驗。
　　整體而言，展覽的設計相當完整，從文史出版形式到駐地創作，從街區認知到講座課程，與觀眾或是居民的互動也相當多樣化，短短的一個半月卻是有著十分扎實的內容，當然，這不是個完美的展覽，但卻是個與社區結合相當好的累積，讓我們看到當代館紮根於社區，越來越走出自己的方向。

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