法 羅 文 創

     似乎人人都有行李箱，但用行李箱創作的藝術家就不常見，當許多長輩認為時下年輕人就是愛旅行的小確幸時，年輕藝術 家是如何用行李箱做作品，表達屬於年輕人對旅行的看法？從過去長輩的一支皮箱打天下，當代的行李箱又有哪些不同的可能性呢？ 　　7月23日至8月5日，荒原藝術舉辦《一卡丘皮箱》，由董欣宜、林家禾、林恩崙組成的「一加侖」 第二次展出，所謂的一卡丘皮箱，指的是很厲害的行李箱，也是三位藝術家在本展一開始所設定的規則：「每個人選定一個現成的行李箱，這個行李箱必須要涵蓋從 籌備展覽、佈展、展示、及撤展打包的所有功能，將行李箱作為內外連結的載體。」 　　展場入口看到的影片，真實呈現藝術家們帶著行李箱來到展場的過程，這不只是個序曲，同時也可能是藝術家的狀態自敘，宛如游牧般的在各個展場中移動，對 一般人來說或許是浪漫的藝術家生涯，對年輕藝術家來說卻可能只是一場旅行，而行李箱中的作品則是藝術生涯的象徵。 　　 林佳禾的＜POWER BANK＞改裝行李箱內部，加上風扇與行動電源，在公共場合充電後，由行李箱中吹出的是微弱的風，而非任何移動生活所需電器用品，藝術家甚至在行李箱中標 示著，幾分鐘時風扇吹的微風，是由哪個場所提供，虛無飄渺的微風嘲諷的正是整個旅行的重量。 　　林恩崙的＜彼岸＞將柏青哥機台完整的放置在行李箱中，以行李箱與機台互文，消費文化與藝術間的關係顯露無遺，董欣宜的＜非自在號＞收納的不是旅行所 需，運用充滿舊時代感的元素所呈現的風景區模型，再現了整個社會對風景區與旅行的想像，不同的風景區有著相同的元素，旅行可能只是想像的自我重複而已，而 這可能也是對游牧般的藝術生涯的反省。

         攝影作為當代最為民主的藝術文類，是幾乎每個人都有創作經驗的，當然也是最多觀眾與被解讀的文類，而當藝術家以北美館典藏品做為文本，解讀後再進行創作，對觀眾來說，可能是種尋找認同的過程，而超越了傳統的審美經驗。 　　
      5月28日至10月2日，北美館舉辦《舞弄珍藏：召喚/重想/再述的實驗室》，由館長林平作為總策展人，由三位客座策展人，朱盈樺、郭昭蘭與蕭有志，以「藝術家」、「策展人」與「建築師」三種不同的身分，集結三十位當代創作者回應館藏品；朱盈樺「写真筆談」，邀請八位創作者，以文字書寫的方式，回應十二幅典藏影像作品。 　　
      在展場入口的小冊子請觀眾一定要拿，因為那是這次展覽的重點之一，由八位創作者以典藏影像為文本所書寫的作品，雖有註明對應的文本，但是卻不見得有直接關係，有的可能是書寫的起點、有的則可能是再度詮釋，甚至如楊雨樵將這些典藏影像藉由書寫從新連結成新的故事。
     展場的第一部分是看似傳統的攝影作品裱框展出，只是在旁有許多文字，另一部分可能比較可以看出策展人企圖，是由木箱模擬傳統大型相機的外型，觀眾可以從鏡頭處向內看，影像則是這些典藏作品逐漸以局部的方式浮現，最後回到完整的圖像。 　　為甚麼我們可以從這些木箱中的活動影像，看到創作者重新書寫的意義呢？當木箱中的那些典藏影像逐漸從局部浮現到完整，在這個過程中可以看到的是影像＂敘事＂的可能性，經由時間的介入，那些被決定性瞬間凝結的影像，其中的厚度，或者說各種符碼更被強調出來，而凝結的厚度就被稀釋出敘事的各種方向了。

          ＂銀鹽不死，只是凋零＂，在數位影像大行其道的今日，回顧銀鹽世代的意義除了懷舊與紀念外，也包括了更多的認識影像的本質，這包括了影像紀錄現實與實現 美感的兩大目的，而百年來在台灣有許多的攝影師曾經投入許多心血，透過《銀鹽世代》該展，讓我們從新認識過去與影像的關係。

　　　國立台灣美術館於7月2日至11月13日舉辦《銀鹽世代－尋找歲月靈光 臺灣攝影家原作展1890s～2015 》，由張照堂、簡永彬擔任策展人，集結橫跨百年，31位台灣攝影家，共254件作品，以銀鹽技法為範圍，展覽規劃「文獻」及「原作」二部分，「文獻」部分 蒐集了1890~1945年間蛋白相片、玻璃乾版片、三色碳墨轉印、寫真帖等珍貴稀有的史料及作品61件。

      美術館有四大功能，典藏、展示、教育與推廣，一般來說觀眾較少接觸的是典藏，一來觀眾接觸典藏展的機會少，二來過去各公立美術館典藏展較缺乏活潑的作法， 去年開始，北美館邀請策展人推動典藏展，讓藏品與當代有了新的互動，而今年新館長延續此一作法，邀請三位策展人推動今年的典藏展，值得關注。

5月28日至10月2日，北美館舉辦《舞弄珍藏：召喚/重想/再述的實驗室》，由三位客座策展人，朱盈樺、郭昭蘭與蕭有志，以「藝術家」、「策展人」與 「建築師」三種不同的身分，集結三十位當代創作者回應館藏品；《對照記》的策展人蕭有志將「典藏品」與「展覽」視為媒介，邀請十七位台灣當代影像創作者選 擇攝影類典藏品，試圖回應社群建構的可能性。

對年輕的觀眾來說，郎靜山可能是知名的攝影大師，但看到作品的機會也許不多，這次展覽中就有幾位當代創作者，選擇以郎靜山的作品來對話，雖說當代影像教育 與郎靜山的美學關係已經不大，但在這些當代創作者與郎靜山作品的對話中，可看到許多關於攝影本質的討論，例如郎靜山利用中國水墨的三遠透視，建構他著名的 集錦攝影，而當代藝術家也以此討論攝影中的空間形式議題。

有趣的是《對照記》以攝影典藏品為主，而攝影可說是大部分觀眾都有經驗的藝術文類，在數位化時代，有機會重新觀看、閱讀這些過去的典藏品，且藉由當代的創 作者，以當代的眼光來對話，讓這些影像不只是過去的典藏品，同時也具備了當代的意義，讓觀眾重新認識，過去這塊土地上的藝術家，曾經有過的努力，這些典藏 品不只是歷史或是典藏品，也是當代的一部分。

圖片提供:北美館

 　　＂科技藝術＂常常給人一頭霧水的感覺，但是陳依純在尊彩藝術中心舉辦的個展《你夢見電子羊了嗎？第N次毀滅，重新來過》卻相當有趣，有趣吸引人以外， 可閱讀性也相當高，因為藝術家以一本書的概念來設計展覽。 　　

該展展出至四月三日， 以地球毀滅後外星人前來地球考古，試圖理解地球毀滅的原因，過去類似的作品不是過於直白的強調議題，就是過於內心戲，然而陳依純以書籍的章節架構，從台灣 發生過的氣爆案例，到普世面臨的地球暖化，由小而大的敘事，以藝術家的眼光從新詮釋人類世界自我毀滅的過程。 　　

講到閱讀與敘事，彷彿這是個文學性很強的展覽，其實看到原作我們會發現，作者除了那知名又難以分類的電繪動畫以外，同時也有著平面繪畫作品，而所謂的 敘事則是除了電繪動畫的作品本身，還在每個作品上有一小段文字，以虛擬的章節內容為架構，幫助觀眾進入藝術家的世界。 　　

事實上這次展出的大多是陳依純近年來累積的作品，每件作品本身都是來自藝術家對身處世界的觀察，例如＜小黑在工廠的一輩子＞就是從我們身邊的工人談 起，以常見的黑狗人形化作為工人的象徵，在我們熟悉的街邊小工廠中打怪，但是反覆的世界遠無止境，作品本身有足夠的深度與力度，但是放在展覽的架構中，同 時就連結資本主義的貪婪與世界毀滅的關係。 　　

閱讀科幻小說大概是這個時代許多人共同的經驗，即便是沒有讀過的朋友也會有看過相關電影，然而陳依純的作品並不是單純地說一個故事，而是藉著一個故事 書的架構，將近年來關心的相關主題串起，宛如各自成立的短篇小說，在作者的巧思下變成一個精彩的長篇，讓觀眾可以更輕易浸淫在藝術作品中。